Американски художници. 7 майстори, които изненадаха света

Американските художници са много разнообразни. Някой беше явен космополит, като Сарджент. Той е американец по произход, но е живял в Лондон и Париж почти през целия си възрастен живот.

Сред тях има и автентични американци, изобразили живота само на свои сънародници, като Рокуел.

И има артисти извън този свят, като Полок. Или такива, чието изкуство се е превърнало в продукт на консуматорското общество. Това, разбира се, е за Уорхол.

Всички те обаче са американци. Свободолюбив, смел, ярък. Прочетете за седем от тях по-долу.

1. Джеймс Уистлър (1834-1903)

Уислър трудно може да се нарече истински американец. Израствайки, той живее в Европа. И той изобщо прекарва детството си ... в Русия. Баща му построи железница в Санкт Петербург.

Именно там момчето Джеймс се влюбва в изкуството, посещавайки Ермитажа и Петерхоф благодарение на връзките на баща си (тогава те все още бяха дворци, затворени за обществеността).

Защо Уистлър е известен? В какъвто и стил да рисува, от реализъм до тонализъм*, той почти веднага може да бъде разпознат по две черти. Необичайни цветове и музикални имена.

Някои от портретите му са имитации на стари майстори. Като например известния му портрет "Майката на художника".

Художникът е създал невероятна работа, използвайки цветове, вариращи от светло сиво до тъмно сиво. И малко жълто.

Но това не означава, че Уислър харесва такива цветове. Той беше необикновена личност. Той лесно можеше да се появи в обществото в жълти чорапи и с ярък чадър. И това е, когато мъжете се обличат изключително в черно и сиво.

Има и много по-леки творби от „Майка”. Например Симфония в бяло. Така снимката беше наречена от един от журналистите на изложбата. Уислър хареса идеята. Оттогава той нарича почти всички свои произведения по музикален начин.

Но тогава, през 1862 г., публиката не харесва Симфонията. Отново, заради идиосинкратичните цветови схеми на Whistler. На хората им се струваше странно да напишат жена в бяло на бял фон.

На снимката виждаме червенокосата любовница на Уистлър. Съвсем в духа на прерафаелитите. В крайна сметка тогава художникът беше приятел с един от основните инициатори на прерафаелизма Габриел Росети. Красота, лилии, необичайни елементи (вълча кожа). Всичко е както трябва да бъде.

Но Уистлър бързо се отдалечи от прерафаелизма. Тъй като не външната красота беше важна за него, а настроението и емоциите. И той създаде нова посока - тонализъм.

Неговите ноктюрнни пейзажи в стил тонализъм наистина приличат на музика. Монохромен, вискозен.

Самият Уистлър каза, че музикалните имена помагат да се съсредоточи върху самата картина, линии и цвят. В същото време, без да се замисля за мястото и хората, които са изобразени.

Тонализъм, както и близък до него импресионизъм, в средата на 19 век публиката също не е впечатлена. Твърде далеч от популярния по онова време реализъм.

Но Уистлър ще има време да изчака признанието. До края на живота му работата му ще бъде купена с охота.

2. Мери Касат (1844-1926)

Мери Касат е родена в богато семейство. Можеше да живее безгрижен живот. Оженете се и имайте деца. Но тя избра друг път. Като си даде обет за безбрачие заради рисуването.

Тя беше приятелка с Едгар Дега. Получих в сряда импресионисти, завинаги увлечен от тази посока. А нейното „Момиче в синьо кресло“ е първата импресионистична работа, която публиката видя.

Но никой не хареса снимката. През 19 век децата са изобразявани като послушно седнали ангели, с накъдрени къдрици и румени бузи. И ето едно дете, което явно се отегчава, седи в твърде спокойна поза.

Но Мери Касат, която никога не е имала собствени деца, беше почти първата, която ги представи толкова естествени, колкото са.

За това време Касат имаше сериозен "недостатък". Тя беше жена. Тя не можеше да си позволи да отиде сама в парка, за да рисува от природата. Особено да отида в кафене, където са се събирали други артисти. Всички мъже! Какво й оставаше?

Напишете монотонни дамски чаени партита в дневни с мраморни камини и скъпи сервизи за чай. Животът е премерен и безкрайно скучен.

Мери Касат не чакаше признание. Първоначално тя беше отхвърлена заради нейния импресионизъм и уж незавършени картини. Тогава, вече през 20-ти век, той беше рязко „остарял“, тъй като Арт Нуво беше на мода (Климт) и фовизъм (Матис).

Но тя остана вярна на стила си докрай. Импресионизъм. Мек пастел. Майки с деца.

В името на рисуването Касат изоставя майчинството. Но нейната женственост все повече се проявяваше именно в такива деликатни произведения като Спящо дете. Жалко, че едно консервативно общество веднъж я постави пред такъв избор.

3. Джон Сарджент (1856-1925)

Джон Сарджент беше сигурен, че ще бъде портретист през целия си живот. Кариерата вървеше добре. Аристократи се наредиха да го наредят.

Но след като художникът прекрачи границата в мнението на обществото. Сега ни е трудно да разберем какво е толкова неприемливо във филма "Мадам Х".

Вярно е, че в оригиналната версия героинята е пропуснала един от бралетите. Сарджент я „отгледа“, но това не помогна на случая. Поръчките са до нищо.

Какво нецензурно видя публиката? И фактът, че Сарджент изобрази модела в прекалено самоуверена поза. Освен това полупрозрачната кожа и розовото ухо са много красноречиви.

Картината сякаш казва, че тази жена с повишена сексуалност не е против да приеме ухажването на други мъже. Още повече, че е женен.

За съжаление, зад този скандал съвременниците не видяха шедьовъра. Тъмна рокля, светла кожа, динамична поза - проста комбинация, която може да се намери само от най-талантливите майстори.

Но няма зло без добро. Сарджент получи свобода в замяна. Започва да експериментира повече с импресионизма. Пишете деца в непосредствени ситуации. Така се появи творбата „Карамфил, лилия, лилия, роза”.

Сарджент искаше да улови конкретен момент на здрача. Така че работех само 2 минути на ден, когато осветлението беше правилно. Работил през лятото и есента. И когато цветята изсъхнаха, той ги замени с изкуствени.

През последните десетилетия Сарджент толкова се влюби във вкуса на свободата, че започна да изоставя портретите напълно. Въпреки че репутацията му вече е възстановена. Той дори грубо уволни една клиентка, заявявайки, че ще нарисува портата й с голямо удоволствие, отколкото лицето й.

Съвременниците се отнасяха към Сарджент с ирония. Считайки го за остарял в ерата на модернизма. Но времето постави всичко на мястото си.

Сега работата му струва не по-малко от работата на най-известните модернисти. Е, да не говорим за любовта на публиката и да не говорим нищо. Изложбите с негови творби винаги са разпродадени.

4. Норман Рокуел (1894-1978)

Трудно е да си представим по-популярен артист приживе от Норман Рокуел. Няколко поколения американци израснаха върху неговите илюстрации. Обичам ги с цялото си сърце.

В крайна сметка Рокуел изобразява обикновени американци. Но в същото време показват живота си от най-положителната страна. Рокуел не искаше да показва нито ядосани бащи, нито безразлични майки. И с него няма да срещнете нещастни деца.

Творбите му са пълни с хумор, сочни цветове и много умело уловени изрази от живота.

Но е илюзия, че работата е била дадена на Рокуел лесно. За да създаде една картина, той първо ще направи до сто снимки със своите модели, за да улови правилните жестове.

Работата на Рокуел е оказала огромно влияние върху умовете на милиони американци. В края на краищата той често говореше с помощта на своите картини.

По време на Втората световна война той решава да покаже за какво се борят войниците на неговата страна. Създавайки, наред с други неща, картината "Свобода от желание". Под формата на Деня на благодарността, на който всички членове на семейството, добре нахранени и доволни, се наслаждават на семейния празник.

След 50 години в Saturday Evening Post, Рокуел се премести в по-демократичното списание Look, където успя да изрази позициите си по социални въпроси.

Най-ярката творба от онези години е „Проблемът, с който живеем“.

Това е истинската история на чернокоже момиче, което отиде в бяло училище. След като беше приет закон, че хората (а оттам и образователните институции) вече не трябва да се разделят по расови признаци.

Но гневът на жителите нямаше граници. На път за училище момичето било охранявано от полиция. Ето такъв "рутинен" момент и показа Рокуел.

Ако искате да опознаете живота на американците в леко украсена светлина (както самите те искаха да го видят), не забравяйте да погледнете картините на Рокуел.

Може би от всички художници, представени в тази статия, Рокуел е най-американският художник.

5. Андрю Уайет (1917-2009)

За разлика от Рокуел, Уайет не беше толкова позитивен. Отшелник по природа, той не се стреми да украсява нищо. Напротив, той изобразяваше най-обикновени пейзажи и незабележими неща. Просто житно поле, само дървена къща. Но дори успя да надникне нещо магическо в тях.

Най-известното му произведение е Светът на Кристина. Уайет показа съдбата на една жена, негова съседка. След като била парализирана от детството си, тя лазела из района около фермата си.

Така че в тази картина няма нищо романтично, както може да изглежда на пръв поглед. Ако се вгледате внимателно, тогава жената има болезнена слабост. И като знаете, че краката на героинята са парализирани, разбирате с тъга колко далеч е тя все още далеч от дома.

На пръв поглед Уайет пише най-обикновеното. Ето стария прозорец на старата къща. Изтъркана завеса, която вече започна да се превръща в парченца. Отвън прозореца потъмнява гората.

Но във всичко това има някаква мистерия. Някакъв друг поглед.

Така децата са в състояние да гледат на света с незабележим поглед. Същото прави и Wyatt. И ние сме с него.

Всички дела на Уайет се вършеха от съпругата му. Тя беше добър организатор. Именно тя се свърза с музеи и колекционери.

В отношенията им имаше малко романтика. Музиката трябваше да се появи. И тя се превърна в проста, но с изключителен външен вид Хелга. Това виждаме в много произведения.

Изглежда, че виждаме само фотографско изображение на жена. Но по някаква причина е трудно да се откъснеш от него. Очите й са твърде сложни, раменете й са напрегнати. Ние сякаш се напрягаме вътрешно с нея. Борейки се да намеря обяснение за това напрежение.

Изобразявайки реалността във всеки детайл, Уайет магически я надари с емоции, които не могат да оставят безразлична.

Художникът дълго време не беше признат. Със своя реализъм, макар и магически, той не се вписваше в модернистичните тенденции на 20-ти век.

Когато музейните работници купуваха произведенията му, те се опитваха да го правят тихо, без да привличат внимание. Рядко се организираха изложби. Но за завист на модернистите, те винаги са имали огромен успех. Хората идваха на тълпи. И те все още идват.

Прочетете за художника със статията Светът на Кристин. Шедьовърът на Андрю Уайет."

6. Джаксън Полок (1912-1956)

Джаксън Полок е невъзможно да бъде игнориран. Той прекрачи определена граница в изкуството, след което живописта не може да бъде същата. Той показа, че в изкуството като цяло можете да правите без граници. Когато положих платното на пода и го напръсках с боя.

И този американски художник започна с абстракционизма, в който фигуративното все още може да се проследи. В работата му от 40-те години на миналия век „Стенична фигура“ виждаме очертанията както на лицето, така и на ръцете. И дори разбираеми за нас символи под формата на кръстове и нули.

Работата му беше оценена, но те не бързаха да купуват. Беше беден като църковна мишка. И пиеше безсрамно. Въпреки щастливия брак. Съпругата му се възхищаваше на таланта му и правеше всичко за успеха на съпруга си.

Но Полок първоначално беше разбита личност. Още от младостта му се виждаше от действията му, че ранната смърт е неговата съдба.

Тази счупеност в резултат ще го доведе до смърт на 44-годишна възраст. Но той ще има време да направи революция в изкуството и да стане известен.

И го направи в период от две години на трезвост. Той успява да работи ползотворно през 1950-1952 г. Експериментира дълго време, докато стигна до техниката на накапване.

Поставяйки огромно платно на пода на бараката си, той го обикаляше, сякаш беше в самата картина. И напръскана или просто излята боя.

Тези необичайни картини започнаха да се купуват от него охотно заради тяхната невероятна оригиналност и новост.

Полок беше зашеметен от славата и изпадна в депресия, без да разбира къде да отиде по-нататък. Смъртоносната смес от алкохол и депресия не му остави шанс за оцеляване. Веднъж седна зад волана много пиян. Последен път.

7. Анди Уорхол (1928-1987)

Само в страна с такъв култ към потреблението, както в Америка, може да се роди поп арт. И неговият основен инициатор беше, разбира се, Анди Уорхол.

Той стана известен с това, че взема най-обикновените неща и ги превръща в произведение на изкуството. Това се случи с кутията за супа на Кембъл.

Изборът не беше случаен. Майката на Уорхол хранеше сина си с тази супа всеки ден в продължение на повече от 20 години. Дори когато се премести в Ню Йорк и взе майка си със себе си.

След този експеримент Уорхол се интересува от ситопечат. Оттогава той прави снимки на поп звезди и ги рисува в различни цветове.

Така се появи известната му нарисувана Мерилин Монро.

Бяха произведени безброй такива киселинни цветове на Мерилин. Изкуство Уорхол пусна на стрийм. Както се очаква в консуматорското общество.

Боядисаните лица са измислени от Уорхол по някаква причина. И пак не без влиянието на майката. Като дете, по време на продължително боледуване на сина си, тя му влачи пакети с книжки за оцветяване.

Това детско хоби прерасна в нещо, което се превърна в негова визитна картичка и го направи приказно богат.

Той рисува не само поп звезди, но и шедьоврите на своите предшественици. Разбрах и "Венера" ​​Ботичели.

Венера, като Мерилин, направи много. Ексклузивността на произведение на изкуството е „заличена“ от Уорхол на прах. Защо художникът направи това?

За популяризиране на стари шедьоври? Или, обратно, се опитайте да ги обезцените? Да увековечи поп звездите? Или да подправите смъртта с ирония?

Неговите рисувани творби на Мадона, Елвис Пресли или Ленин понякога са по-разпознаваеми от оригиналните снимки.

Но шедьоврите едва ли ще бъдат засенчени. Все пак изначалната "Венера" ​​остава безценна.

Уорхол беше запален купонджия, привличаше много изгнаници. Наркомани, неуспешни актьори или просто неуравновесени личности. Един от които веднъж го застреля.

Уорхол оцеля. Но 20 години по-късно, поради последствията от рана, която някога е получил, той умира сам в апартамента си.

Американски топилен съд

Въпреки кратката история на американското изкуство, диапазонът е широк. Сред американските художници има импресионисти (Сарджънт), и магически реалисти (Уайет), и абстрактни експресионисти (Полок) и пионери на поп арта (Уорхол).

Е, американците обичат свободата на избор във всичко. Стотици деноминации. Стотици нации. Стотици художествени направления. Ето защо той е топилният котел на Съединените американски щати.

*Тонализъм - монохромни пейзажи от сиви, сини или кафяви нюанси, когато изображението е като в мъгла. Тонализмът се счита за издънка на импресионизма, тъй като предава впечатлението на художника от видяното.

***

Коментари други читатели виж отдолу. Те често са добро допълнение към статия. Можете също да споделите мнението си за картината и художника, както и да зададете въпрос на автора.

Английска версия на статията